MILLER-HAVENS ART
Sports as a Metaphor for Life 1997 Artists Statement
Artist's Statement 1997
Inside. Outside. Exhibit
My painting is an emotional response to color, light, and human experience. From a very early age I found my reaction to the world around me divided between a fascination with the inner workings of the mind and the aesthetic beauty of nature. Pursuits of both these interests are reflected in my career as I moved back and forth between the two over time. My understanding of nature and human nature has come together in visual expression through painting. I set up for solution artistic problems that combine images and painting techniques from the past with the present, that define space through unexpected uses of color and line, that generate for the viewer a sense of psychological ambiguity and timelessness, that comment on human interaction.
Rather than painting men as idols or going to the other extreme of infantilizing or bashing them,I mean to portray male athletes not only as possessors of skill but as possessors of unique personalities vulnerable to all of life's demands. I want the viewer to experience the similarities between men and women. In sports and in life human beings hope for success, sometimes gain it, fail, pick themselves up, try again to be among the best and often strive to be part of a team.
By Inside. Outside. is meant, my representation of the figure has been informed not only by studio life drawing but by a knowledge of anatomy and psychology gained through careers in surgical and psychological fields. I place images in moments in time that are not easily orchestrated in a studio with live models; my portraits are not frontal. By not staring at subjects, not invading their space, much can be learned about individuals.
In the tradition of Degas, Tissot, and Eakins I photograph and study human interactions. When unable to obtain a pose I have in mind, I’m fortunate to have access to the slides of three well known sports photographers; Ponzini, Reibel, and Rydlewski. I then zerox various images in black and white, including enlarging or reducing sections of poses. This process removes color, volume and perspective, leaving only grey dotted outlines of the images. The remaining skeleton allows me the freedom to think about possible compositions. Then I can move on to the work of under-painting, sketching, arranging the images on the picture plane, and making color decisions. I represent light using both 16th century and 20th century techniques, either under-painting with glazes or applying pigment directly on the canvas. For example, I attempt to combine the techniques of Durer with those of Manet and to add my own inventions.
Cezanne said that he hoped to forge a link with the past. I am trying to do the same by combining painting techniques and understandings of human nature from the past with what I have come to perceive in the present.
Dear NAWA Members and Friends,
NAWA is thrilled to share that this week's talented and brilliant #NAWAArtistOfTheWeek is:
Susan Miller-Havens!
Born and raised in New Jersey a bus ride from the NYC art world, Susan Miller-Havens has been a resident of Cambridge, MA for over four decades. She has two 20 year careers: one in the field of mental health, the other in fine arts. Originally a reconstructive surgical nurse at the Mass General Hospital, she was one of the founders of The Department of Psychiatry at The Cambridge Hospital.
While working in a clinic she pursued a degree in studio art from Wellesley College where her honors advisers were the watercolorist Richard Yarde and landscape artist, James Wilson Rayen, both well represented artists. Drawn back to psychology she completed her Doctorate in Human Development from Harvard School of Education. After working in adoption reform as an educator she realized once again that she was drawn to expressing in paint what she had come to understand about human nature.
We Are Not Privy #5
Women's Best Friends #3
Not primarily a portrait artist, Miller-Havens paintings focus on the subtleties within relationships and the human condition in general.
She is known as an artist who invites the viewer into the painting through unexpected use of color, absence of background, and inventive cropping of the images.
Her work is part of private collections in San Diego, Denver, Miami, New York, and Boston. Her commissions include the official portrait of Mayor Alice Wolf Hall of Fame basketball coach Patrick J. Riley and Harvard Dean Jerome T. Murphy. Her life size portrait of Cooperstown Hall of Fame catcher Carlton Fisk is in the Permanent Collection of the National Portrait Gallery Washington D. C. as is her Portrait of Pedro J. Martinez.
She is currently working on the series "Zooming Out" concerning the use of Zoom and the isolation of its participants during the pandemic .
She is a member of The Harvard Arts in Education Advisory Council, The Art Connection Boston MA, The National Association of Women Artists, Who's Who in American Women, Who's Who In America, The Harvard Square Business Association The Harvard Square Neighborhood Association and Somerville Concord, Cambridge Artists Associations
2023 Series Zooming Out #5
Check out Susan's feature on the NAWA Instagram and Facebook.
Click here to view more of her work!
Stay well and keep creating!
Sincerely,
Christie Devereaux, NAWA President
Susan Hammond, NAWA Vice President
Jill Baratta, Executive Director
Martinez Pre-unveiling dinner Washington D.C.
Declaración del retrato de Dean Jerome Murphy
La imagen
El equilibrio que busqué al interpretar a Jerry Murphy estaba entre las siguientes características algo divergentes que he observado en él.
Jerry Murphy es un hombre de acción que se muestra digno a la vez que posee dulzura, gran determinación y resistencia. Observándolo en el tiempo uno ve a una persona que conecta con cada individuo mientras piensa en cómo incluir a esa persona en un esfuerzo grupal.
Metas Artísticas
Desde un punto de vista artístico quería trasladar algo de lo que ha pasado antes en el retrato. En este caso, significó que en lugar de representar al individuo como una semejanza rodeada por los atavíos de su oficina, me esforcé por establecer una tensión psicológica en la imagen que refleja las cualidades divergentes que mencioné al principio.
Cómo lograr estos objetivos:
Como en todos mis retratos, técnicamente instalé una tensión en el plano bidimensional de la imagen en color mediante el uso de y disposición de la imagen en el rectángulo.
El fondo gris y el amontonamiento de la imagen en el rectángulo permiten a Murphy situarse en su propio espacio humano. La calidez del gris crea perspectiva debido a la frialdad del color del traje negro.
El sujeto conecta con el espectador haciendo contacto visual y gesticulando como si estuviera al final de una frase.
El peligro de que las manos distraigan de la cara se soluciona con el uso del color en la corbata, la camisa y el traje. El diseño complicado de la corbata compite con las manos para controlar visualmente su posible distracción.
Eliot-Lyman Room Longfellow Hall Harvard Graduate School of Education Appian Way Cambridge MA EE. UU.
Descubriendo el artista detrás de los retratos de los decanos
(disponible a través del enlace a Digimarc en The Eliot Lyman Room Longfellow Hall, en línea https://www.gse.harvard.edu/sites/default/files//about/images/HGSE-deans- libro.pdf and
en la Biblioteca de la Escuela de Graduados en Educación de Harvard
Mientras volvía a colgar los retratos existentes en la Sala Eliot-Lyman, el artista descubrió que, si bien había nombres y fechas junto a las pinturas, no había información sobre la contribución del Decano ni declaraciones sobre los artistas , muchos de los cuales habían sido firmados en el reverso de su imagen. Después de encontrar información interesante sobre los artistas a través de Internet, ella se comunicó con la Biblioteca Guttman para pedirles que se unieran a este proyecto. Debido a que la artista también forma parte del Consejo Asesor de las Artes en la Educación, consideró que tener esta información disponible para los estudiantes y visitantes era particularmente importante. Ella está agradecida con todo el trabajo que se dedicó a este libro informativo.
Declaración del retrato de la alcaldesa/representante estatal Alice Wolf
La imagen
El equilibrio que busqué al interpretar a Alice Wolf fue similar a las características un tanto divergentes que observé en Harvard Dean Jerome T. Murphy.
Alice Wolf es una mujer política y activista comunitaria que es valiente, digna y decidida, al mismo tiempo que siente empatía por los menos afortunados, especialmente los niños.
Quería que la retrataran como una mujer de acción, no como una mujer en su escritorio, sentada en un sofá o parada inmóvil ante la cámara.
Metas Artísticas
Desde un punto de vista artístico, quería alejarme de algo de lo que ha pasado antes en el retrato. En este caso, significa que en lugar de representar al individuo como una semejanza rodeada por los atavíos de su oficina, me esforcé por establecer una tensión psicológica en la imagen que refleja las cualidades divergentes que mencioné al principio.
Logrando los Objetivos
Como en todos mis retratos, técnicamente instalé una tensión en el plano bidimensional de la imagen mediante el uso del color y la disposición de la imagen en el rectángulo. Mientras que es el único retrato horizontal en las Salas del Ayuntamiento. es las mismas pulgadas cuadradas que los otros
El fondo gris y el amontonamiento de la imagen en el rectángulo permiten que Wolf se pare en su propio espacio humano. La calidez del gris crea perspectiva debido a la frialdad del color del traje negro.
A diferencia de otros retratos de la sala, estos colores no tienen la intención de combinar con el papel tapiz beige y rojo, sino más bien permitir que la imagen se mantenga sola. El sujeto se conecta con el espectador al hacer contacto visual y gesticular como solía hacer el final de una frase.
El peligro de que las manos distraigan visualmente la cara se soluciona con el uso del color en el pañuelo. El diseño y los pliegues de la bufanda sirven para evitar que dominen el retrato.
"Mirando a los hombres" 2000 Declaración del artista
Mismas preguntas 2 décadas después 2020
Serie de atletas masculinos
Miller Havens 2000
"Mirando a los hombres"
It is okay for men to mirar fijamente a las mujeres. No está bien que las mujeres miren fijamente a los hombres. La psicología nos dice que este doble estándar ocurre porque hay hombres que están sujetos a fetiches o más simplemente porque sienten que tienen derecho a mirar. En el arte, los hombres a menudo representan a las mujeres como objetos. Algunas mujeres artistas han irrumpido en ese sistema._cc781905- 5cde-3194-bb3b-136bad5cf58d_ Dada la historia y la complejidad de las relaciones hombre/mujer, no sorprende que haya mujeres artistas que respondan a sus experiencias suavizando, politizando o castrando la imagen masculina. Estas reacciones tal vez no se presentaron mejor que en la muestra de Londres ICA de 1980 "Imágenes de hombres de mujeres" y la colección de ensayos resultante editada por Kent y Morreau en 1985.
As a feminist living in a mundo aún sin igualdad tengo que preguntarme, ¿cuáles son las condiciones que hacen posible admirar la belleza, la destreza y la sensibilidad de ciertos hombres? ¿Es realista creer que en la representación artística hay una alternativa a idolatrar, golpear o infantilizar a los hombres?
For ten years I used the imágenes que se encuentran en el béisbol, el baloncesto y el fútbol para registrar mi reacción a la belleza y la atemporalidad de los juegos atléticos. Creo que la competición atlética en Estados Unidos se ha convertido en el equivalente moral de la guerra. El equipo de protección de los receptores en el béisbol, los cascos en el fútbol y la altura física de los jugadores en el baloncesto recuerdan la guerreros, gladiadores y vikingos de antaño, uniendo así visualmente el pasado con el presente.
I tried to place images in un tiempo que es ambiguo, por lo que le pide al espectador que imagine lo que sucederá o ha sucedido. Pretendo pintar expresiones faciales que evoquen una respuesta del espectador que proviene tanto de lo que está presente en la imagen y lo que la imagen le hace al espectador. Este intento de utilizar imágenes como una forma de establecer tensión en el plano pictórico se lo debo a Tissot, Manet, Renoir, Pollock y al arte de la fotografía.
_cc781905-5cde-3194- bb3b-136bad5cf58d_Aprendí y sigo aprendiendo de dos artistas claramente diferentes, James Wilson Rayen y Richard Yarde. Técnicamente sigo desafiado por el color blanco. El blanco de los uniformes de los jugadores de béisbol, baloncesto y fútbol se presta fácilmente a mi fascinación por sus cualidades innatas. Para representar la luz utilizo técnicas tradicionales y modernas, ya sea aplicando capas de debajo de la pintura o aplicando pigmento directamente sobre el lienzo con una espátula. Soy colorista de corazón y utilizo el color para crear profundidad tanto psicológica como geométrica. Delacroix, Goya y Matisse están entre mis influencias.
Taking then from both the escuelas representativas y abstractas de pintura, que intentan plantear problemas artísticos que combinan imágenes y técnicas pictóricas del pasado con el presente, que definen el espacio a través de usos inesperados del color y la línea, que generan para el espectador una sensación de sutil ambigüedad psicológica y atemporalidad, y ese comentario sobre nuestras interacciones humanas.
I mean to paint the individual el varón como poseedor de la masculinidad pero también como poseedor de una personalidad única vulnerable a todas las demandas de la vida. Quiero ver a los hombres no como objetos ni naturalezas muertas como lo hizo Manet, sino como su conexión humana al espectador mientras Cassett miraba a mujeres y niños.
6-27 de abril de 2018 NYC
Exposición WorkBar
Este trabajo fue seleccionado del Registro de artistas de Cambridge Arts Open Studios en SlideRoom por uno de sus socios del programa Creative Marketplace Exhibitions,
Workbar , Inc., on Prospect St. Central Square Cambridge, MA, que buscaba exhibir obras de artistas locales en sus oficinas de Cambridge durante un año.
Estas tres piezas de "The Looking For A Silver Lining Series" son parte de esa exhibición.
WorkBar no es un espacio público. Para visitar consulta sus horarios
Call the office should you wish to visit the exhibit 339-293-4244
17 x 33" Oil/cera en Cotton Duck
Montura: Borde Redondeado Fresno Gris
Colección privada DC
Esta pintura se inspiró en la creencia del comisionado de béisbol Bart Giamatti de que el béisbol puede verse como una metáfora de la vida... En particular, literalmente "volver a casa" como una meta, no solo para los jugadores de pelota, sino para la mayoría de los individuos en el juego de la vida.
“Home On A Double” pertenece a una serie que utiliza técnicas de la escuela impresionista francesa combinadas con un modelado más tradicional de la figura. He intentado plasmar en óleo la experiencia del suave aire de verano que el artista asocia con el béisbol mientras retrata ciertos momentos del juego.
En esta pieza hay una colisión entre la luz, el polvo y los cuerpos en el home plate. Técnicamente, esta tensión se establece en el plano de la imagen utilizando colores cálidos y fríos aplicados con pincel y espátula. El objetivo es yuxtaponer colores, creando así volumen, perspectiva y la refracción de la luz.
Instalación Colección privada de Washington DC
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