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            Portrait of Pedro J. Martinez 

El Orgullo y La Determinación.

Óleo sobre abedul, 57" x 21" Enmarcado en arce con tinte índigo

Proceso del artista

Colección permanente The Smithsonian National Portrait Gallery Washington DC USA  


Limitado a 15 firmado y personalizado reproducciones 

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El Orgullo y La Determinación.

Óleo sobre abedul, 57" x 21" Enmarcado en arce con tinte índigo

Colección permanente Galería Nacional Smithsonian de Retratos Washington DC, EE.UU.  


Limitado a 15 reproducciones firmadas y personalizadas 

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PJM Process

Miller-Havens talks about her painting process

TEXTO DE Martínez Proceso de Pintura

Con motivo del décimo aniversario de la instalación de este retrato del lanzador del Salón de la Fama Pedro Martínez en la Galería Nacional de Retratos en Washington DC  Voy a hablar sobre el proceso que usé para pintar este pieza.

También escuchará al modelo, Pedro Martínez, contarle cómo nuestra comprensión mutua enriqueció la representación de él como atleta e individuo.

Como resultado de este generoso regalo de Gloria y Peter Gammons, aumentó el número de visitantes hispanos y luego se nombró un curador de arte hispano. La aceptación de este retrato fue un gran paso hacia la diversidad que busca la Galería de Retratos del Smithsonian.

A veces, a los espectadores de retratos se les presenta una pintura con una etiqueta que dice quién es la persona y quizás por qué fue pintada junto con el medio del que está hecha la pieza: acuarela, óleo, encáustica, etc.

No a todos les importa cómo o por qué un artista tomó decisiones en el proceso, siempre y cuando el espectador disfrute de la pintura.

Para aquellos que sienten curiosidad por la creación de arte, voy a hablar sobre mi proceso.

 

Quiero mencionar que debido a mi experiencia en psicología, mi enfoque para pintar personas es un poco diferente a la pintura de retrato tradicional donde el modelo se sienta durante horas y el artista por necesidad los mira fijamente.

En mi experiencia, aprendo más sobre una persona al conocerla en una variedad de lugares y al observar sus tendencias emocionales y físicas.

Desde Leonardo hasta Pollack, muchos artistas se han inspirado en la música mientras pintan. Escrito en la parte posterior de esta pieza son los siguientes:

Sogno de Bocelli

santana sobrenatural

Buena Vista Social Club

BB King/Clapton cabalgando con el rey

Así que Opera Latin American Jazz Rock n Roll y Blues me acompañaron en mi viaje para dar vida a esta pintura.

 

El comienzo, el apoyo

 

Los egipcios pintaron sobre paneles de madera, al igual que los italianos hasta el siglo XIV. Más tarde se utilizó lona en parte porque se podía enrollar fácilmente y transportar de pueblo en pueblo. Algunos artistas todavía prefieren el peso ligero del lienzo, pero con un sistema de transporte ligeramente mejorado, no hay necesidad real de pintar sobre lienzo.

 

Cuando se usó madera como soporte, se empleó cola de piel de conejo para sellar la pieza y así evitar deformaciones. El pegamento es una opción maloliente pero efectiva que todavía usan algunas almas valientes en la actualidad. Esta pintura está pintada sobre abedul báltico que ha sido dimensionado en ambos lados con un sellador de madera acrílico con cola de PVA.

 

 

 

Imprimación, La Superficie

 

El panel encolado se cubre con una base, una capa blanca de yeso (en este caso, un sustituto acrílico no tóxico de la pintura al óleo con plomo blanco). El yeso se aplica con brocha en 6-10 capas en ángulo recto, lijando entre ellas con una lijadora ya mano. La última capa es de yeso con un medio de gel teñido de gris para suavizar la superficie de la pintura y proporcionar un fondo neutro.

 

 

 

La pose, el escenario de dibujos animados

 

Los pintores de retratos tradicionales pintan de la vida con el modelo haciendo una pose. Algunos artistas combinan estas sesiones con fotografías, otros usan solo fotografías. En el siglo XVI, Rubens fue uno de los pocos maestros antiguos que no pintaba del natural porque lo encontraba demasiado molesto. De acuerdo con él, este artista prefiere no distraerse, pero tampoco montar una situación artificial.

Se vierten fotos y videos. Una pose se determina a partir de un conjunto de fotos que existen o que el artista ha tomado, luego se amplían en papel en blanco y negro para que la idea se pueda ver en el tamaño previsto. Lo comparo con el patrón de un sastre.

Hay muchas formas de colocar la composición sobre el soporte: mano libre, cuadrículas, calcos, proyección con lente. Los medios que se utilizan a menudo son el lápiz, el carboncillo, la tiza y la pintura fina. El contorno de este retrato se colocó sobre el soporte mediante papel transfer, luego a mano alzada con pintura negra y pincel. La imagen está colocada para que su pierna se mueva hacia arriba y hacia el espectador, llevándote a la pintura.

 

 

 

 

3) Cartoon stage.jpg

Incorporando simbolismo

Para este amor individual por su país y la belleza de la flora y la fauna ocupaban un lugar destacado en mi lista de inclusión en este retrato.

Cambié el parche de la liga de béisbol por la bandera de República Dominicana y enterré flores nativas debajo del montículo.

 

 

Secuencia de aplicación de pintura

 

Dos formas de aplicar pintura son "indirectamente" o "directamente". La pintura indirecta requiere la construcción de pintura capa por capa comenzando con todos los tonos claros y oscuros trabajados en gris (griselle) u otro color debajo de la pintura. Luego se aplican esmaltes de colores, creando el efecto de la luz que se muestra debajo del color. La pintura directa consiste en la colocación de capas totalmente coloreadas siendo la última la más clara. Esta técnica se ve en el trabajo impresionista como Monet y los expresionistas abstractos como Rothko. En el cuadro, estoy pintando tanto "indirectamente" como "directamente". Por ejemplo, la cara se pinta indirectamente y el uniforme directamente. 

 

 

 

 

Color y Espacio Tridimensional

 

Algunos artistas confían en las líneas para crear tridimensionalidad y luego usan el color como un refinamiento de esa definición. En el siglo XIX, Cezanne descubrió que los colores fríos y cálidos podían crear la ilusión de espacio.

En este retrato, por ejemplo, el uniforme es blanco, pero si se usara pintura blanca pura, a menos que estuviera contenida en un dibujo tridimensional muy fuerte, se vería plana como una silueta. Prefiero usar el color para definir el espacio tridimensional. Esto se puede lograr alternando capas con blancos cálidos y fríos. En este caso, la pintura uniforme en realidad contiene capas de azules, rojos, morados y blancos.

 

 

 

 

 

Armonía entre forma y color

 

Un retrato pretende parecerse a la persona, pero si no hay armonía entre la forma y el color, la pintura parecerá plana, sin vida. Algunos artistas siguen un método que consiste en pintar la carne, luego la ropa y el fondo. Otros, como este artista, encuentran que pintar todo el cuadro es una forma de mantener todos los aspectos en armonía. Al igual que escribir música, demasiada base y no suficientes agudos desbaratan la melodía.

 

engañando al cerebro

Cuando se pintan grandes cantidades de un color, como este blanco, ayuda engañar al cerebro volteando la pintura al revés o de lado. Esto reorienta el cerebro por unos momentos y rompe la tensión que surge después de pintar la pieza en una orientación.

 

 

 

Manos y Piel

 

 

Las manos presentan un desafío particular. Debido a que son casi tan grandes como nuestras caras, pueden competir con otros elementos más importantes de la pintura. Desde el punto de vista del color y la forma, las palmas son relativamente planas y sin los colores intensos y las venas del otro lado de las manos. Demasiado tono de piel produce lo que este artista llama el problema de la piel de la "muñeca Barbie", pero demasiado poco hace que la imagen sea anémica. Todo es un acto de equilibrio pintando capas y capas, mezclando mezclas....... 

En este retrato, la luz se enfoca en las manos de Pedro para enfatizar sus largos dedos que le permiten manejar la pelota con tanta precisión.

 

 

 

 

 

 

 

Protección de la pintura terminada

 

Las pinturas al óleo deben protegerse de los elementos y, en tiempos pasados, de los gusanos. El barniz era la solución tradicional para la conservación y todavía se usa hoy en día tanto en acabados mate como de alto brillo. Pero. requiere que la pintura se seque durante seis-doce meses. La cera de abejas es otro sellador protector y se utilizó en este caso porque el artista prefiere un acabado mate muy suave y la exención del tiempo de secado de seis meses.

 

 

 

 

 

 

 

¿Cómo nos vemos a nosotros mismos?

 

La mayoría de nosotros no nos vemos como vemos a los demás. Nuestras percepciones provienen de mirarnos en el espejo, fotografías u otros medios. La decisión final sobre si el retrato tiene una semejanza precisa y si hace justicia al espíritu del individuo es difícil. Después de un tiempo, aprender cómo se ve un individuo a sí mismo y cómo le gustaría ser visto o recordado. El Orgullo y La Determinacion, En este caso la fuerza y la determinación parecían adecuadas.

 

Un desafío para el artista es crear una imagen de un individuo y al mismo tiempo decir algo sobre su carácter. El objetivo de este artista es hacer un retrato vital, humano, convincente y atemporal. Esto significa capturar la esencia de la persona en un momento en el tiempo, intentar revelar algo de lo que ha pasado antes en su vida y finalmente combinar los dos en un plano unidimensional. 

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