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Proceso

 

"Quiero que el espectador vea lo que yo he visto, que piense en la persona y su vida en vez de

que dejar que pure represental poses cierre las posibilidades.

Mi representación de la figura ha sido informada por el dibujo de la vida del estudio y por un conocimiento de
anatomía y psicología obtenidas a través de carreras en campos quirúrgicos y psicológicos.
Con este fin, la mayoría de mis retratos no son frontales. Gestos, lenguaje corporal....
un momento en el tiempo están destinados a recordar al espectador algunas de las sutilezas de la vida.
Colocar la imagen en un espacio definido por el color pero sin objetos de fondo presiona
el espectador se centre en la persona o su situación".
 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

 

 

 

Process

 

 

El comienzo, el apoyo

 

Los egipcios pintaron sobre paneles de madera, al igual que los italianos hasta el siglo XIV. Más tarde se utilizó lona en parte porque se podía enrollar fácilmente y transportar de pueblo en pueblo. Algunos artistas todavía prefieren el peso ligero del lienzo, pero con un sistema de transporte ligeramente mejorado, no hay necesidad real de pintar sobre lienzo. Cuando se usó madera como soporte, se empleó cola de piel de conejo para sellar la pieza y así evitar deformaciones. El pegamento es una opción maloliente pero efectiva que todavía usan algunas almas valientes en la actualidad. Esta pintura está pintada sobre abedul báltico que ha sido dimensionado en ambos lados con un sellador de madera acrílico con cola de PVA.

 

 

Imprimación, La Superficie

 

El panel encolado se cubre con una base, una capa blanca de yeso (en este caso, un sustituto acrílico no tóxico de la pintura al óleo con plomo blanco). El yeso se aplica con brocha en 6-10 capas en ángulo recto, lijando entre ellas con una lijadora ya mano. La última capa es de yeso con un medio de gel teñido de gris para suavizar la superficie de la pintura y proporcionar un fondo neutro.

La pose, el escenario de dibujos animados

 

 

 

Los pintores de retratos tradicionales pintan de la vida con el modelo haciendo una pose. Algunos artistas combinan estas sesiones con fotografías, otros usan solo fotografías. En el siglo XVI, Rubens fue uno de los pocos maestros antiguos que no pintaba del natural porque lo encontraba demasiado molesto. De acuerdo con él, este artista prefiere no distraerse, pero tampoco montar una situación artificial . *

Se pasa tiempo con el sujeto, sus amigos más cercanos, conociendo cómo se ve la persona a sí misma. Se vierten fotos y videos.

Una pose se determina a partir de un conjunto de fotos que existen o que el artista ha tomado, luego se amplían en papel en blanco y negro para que la idea se pueda ver en el tamaño previsto. Hay muchas formas de colocar la composición sobre el soporte: mano libre, cuadrículas, calcos, proyección con lente. Los medios que se utilizan a menudo son el lápiz, el carboncillo, la tiza y la pintura fina. El contorno de este retrato se colocó sobre el soporte mediante papel transfer, luego a mano alzada con pintura negra y pincel. Este artista llama a esto un "Escenario de dibujos animados".

 

 

 

 

Wolf process

Pasos de aplicación de pintura

 

Dos formas de aplicar pintura son "indirectamente" o "directamente". La pintura indirecta requiere la acumulación de pintura capa por capa comenzando con todos los tonos claros y oscuros trabajados en gris (griselle*) u otro color debajo de la pintura. Luego se aplican esmaltes de colores, creando el efecto de la luz que se muestra debajo del color. La pintura directa consiste en la colocación de capas totalmente coloreadas siendo la última la más clara. Esta técnica se ve en el trabajo impresionista como Monet y los expresionistas abstractos como Rothko. En la imagen de arriba, el artista está pintando "indirectamente" y "directamente". Por ejemplo, la bufanda se pinta indirectamente y el cabello se trabaja directamente.

 

 

 

 

 

Manos y Piel

 

Las manos presentan un desafío particular. Debido a que son casi tan grandes como nuestras caras, pueden competir con otros elementos más importantes de la pintura. Desde el punto de vista del color y la forma, las palmas son relativamente planas y sin los colores intensos y las venas del otro lado de las manos. Demasiado tono de piel produce lo que este artista llama el problema de la piel de la "muñeca Barbie", pero demasiado poco hace que la imagen sea anémica. Todo es un acto de equilibrio pintando capas y capas, mezclando mezclando.......

 

 

 

 

 

 

 

Armonía entre forma y color

 

Un retrato pretende parecerse a la persona, pero si no hay armonía entre la forma y el color, la pintura parecerá plana, sin vida. Algunos artistas siguen un método que consiste en pintar la carne, luego la ropa y el fondo. Otros, como este artista, encuentran que pintar todo el cuadro es una forma de mantener todos los aspectos en armonía. Al igual que escribir música, demasiada base y no suficientes agudos desbaratan la melodía.

 

 

 

 

Color y Espacio Tridimensional

 

Algunos artistas confían en las líneas para crear tridimensionalidad y luego usan el color como un refinamiento de esa definición. En el siglo XIX, Cezanne descubrió que los colores fríos y cálidos podían crear la ilusión de espacio. En este retrato, por ejemplo, la chaqueta es negra, pero si se usara pintura negra pura, a menos que estuviera contenida en un dibujo tridimensional muy fuerte, se vería plana como una silueta. Este artista prefiere usar el color para definir el espacio tridimensional. Esto se puede lograr alternando capas con negros cálidos y fríos. En este caso, la pintura de la chaqueta en realidad contiene capas de azules, rojos, morados y negros.

 

 

 

Pintar un retrato para una habitación en particular

 

La elección de los colores en la vestimenta de un sujeto es importante más allá de representarlos tal como son. Las paredes que no sean blancas presentan otro conjunto de decisiones de color. En este caso, las Sullivan Chambers están empapeladas en beige y rojo. Las sillas son negras y rojas. La moqueta de pared a pared también es roja. Pintar en un caballete en un estudio con paredes blancas hace que sea esencial tener accesorios cerca de la obra para recordarle al artista qué colores sobrevivirán en una habitación que llama la atención por sí misma.

 

 

 

 

Protección de la pintura terminada

 

Las pinturas al óleo deben protegerse de los elementos y, en tiempos pasados, de los gusanos. El barniz era la solución tradicional para la conservación y todavía se usa hoy en día tanto en acabados mate como de alto brillo. La mayoría de los retratos aquí en Sullivan Chambers están protegidos con un barniz de alto brillo. El barnizado requiere que la pintura se seque durante seis-doce meses. La cera de abejas es otro sellador protector y se utilizó en este caso porque el artista prefiere un acabado mate muy suave y la exención del tiempo de secado de seis meses.

 

 

 

 

 

 

¿Cómo nos vemos a nosotros mismos?

 

La mayoría de nosotros no nos vemos como vemos a los demás. Nuestras percepciones provienen de mirarnos en el espejo, fotografías u otros medios. La decisión final sobre si el retrato tiene una semejanza precisa y si hace justicia al espíritu del individuo es difícil. Después de un tiempo de aprender cómo una persona se ve a sí misma y le gustaría ser vista o recordada, este artista les pide a algunos familiares y amigos cercanos que contribuyan al proceso. Por ejemplo, ayudan al sujeto a acostumbrarse a mirarse en la pintura y luego, junto con el artista, abordar sus inquietudes y preguntas. Un desafío para el artista es crear una imagen de un individuo y al mismo tiempo decir algo sobre su carácter. El objetivo de este artista es hacer un retrato vital, humano, convincente y atemporal. Esto significa capturar la esencia de la persona en un momento en el tiempo, intentar revelar algo de lo que ha pasado antes en su vida y finalmente combinar los dos en una pintura.

Sullivan Chambers Cambridge City Hall

Sullivan Chambers Cambridge MA City Hall

 

 

Mayor/State Representative Alice Wolf Portrait Statement

 

The Image

 

The balance that I sought in portraying Alice Wolf was similar to the somewhat divergent characteristics that I observed about Harvard Dean Jerome T. Murphy.

 

Alice Wolf is a women politician and community activist who is courageous, dignified and determined while possessing empathy for those less fortunate, especially children. 

She wanted to be portrayed as a woman of action, not a woman at her desk, sitting on a couch, or standing still posed for the camera. 

 

Artistic Goals

 

From an artistic point of view I wanted to move away from some of what has gone before in portraiture. In this case it means that rather than representing the individual as a likeness surrounded by the trappings of her office, I endeavored to set up a psychological tension in the image that reflects divergent qualities I mentioned at the start.

 

Achieving the Goals

 

As in all my portraits, technically I set up a tension on the two dimensional picture plane through the use of color and arrangement of the image in the rectangle.  While it is the only horizontal portrait in the City Hall Chambers. it is the same square inches as the others

 

The grey background and the crowding of the image on the rectangle allow Wolf to stand in her own human space. The warmth of the grey creates perspective because of the coolness in the color of the black suit.

Unlike some of the other portraiture in the room, these colors are not intended to match the beige and red wall paper but rather to allow the image to stand alone.The subject connects with the viewer by making eye contact and gesturing as she often did at the end of a phrase.

 

The danger of the hands visually distracting from the face is dealt with by the use of color in the scarf. The design and folds of the scarf  serve to keep them from dominating the portrait.

 

* Nota sobre Modelos Vivos y Fotografías
 

Me enseñaron la representación tradicional de modelos vivos, pero tal vez porque como psicoterapeuta también me enseñaron que mirar a las personas como protagonista no es la mejor forma de aprender sobre ellas, por lo tanto, nunca me he sentido cómodo pintando directamente de modelos vivos a menos que fuera solo un ejercicio académico. ejercicio.

 

Los retratistas a menudo señalan que las fotografías no dan el mismo detalle y dimensiones que un modelo vivo. Esta falta de detalle y planitud es exactamente la razón por la que me gusta tomar fotografías de mis modelos. Esta falta de precisión en la imagen grabada que solo revela la pose me da más libertad para pintar subjetivamente, para inventar. Entonces depende de mí hacer que la pieza parezca tridimensional y viva.

 

Debido a mi trabajo clínico en entornos médicos y psicológicos, pasé años estudiando rostros, lenguaje corporal, pensamientos y sentimientos, buscando bienestar y enfermedad. Cuando me propongo retratar lo que creo que sé sobre una persona en pintura, primero quiero dedicar tiempo a conocerla, lo que le importa, quién cree que es. Hago esto pasando tiempo con el individuo en mi estudio, leyendo sobre él o lo que pudo haber escrito, observándolo en público y hablando con quienes lo conocen. También colecciono fotos que otros les han tomado, tomo mis propias fotos de referencia en el estudio y donde trabajan o viven. 

 

 

* Ejemplos de Griselle:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

 

 

 

Leopoldina Martinez
Nueva Comisión de Retrato Process
"Leopoldina en el Oro"

MEDIOS MIXTOS- 

Se utilizó el grabado sobre tabla de arcilla en lugar del dibujo. Excavando el negro para revelar las líneas blancas. 

Se aplicó pan de oro en láminas pequeñas 

Pintura al óleo utilizada sobre la hoja.

Tela de queso aplicada con bol y empapada en pintura dorada.

Chips de piedra aplicados a pendientes.

Frotar pan de oro para crear una especie de pátina.

Leopoldina en Oro.jpg .jpg

14 carat gold leaf detail on custom Stanhope frame to reflect sitter's love of nature.

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