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Malprozess

 

„Ich möchte, dass der Zuschauer sieht, was ich gesehen habe, dass er über die Person und ihr Leben nachdenkteher

als rein gegenständliche Posen Möglichkeiten verschließen zu lassen.

Meine Darstellung der Figur wurde durch Atelierlebenszeichnungen und durch Kenntnisse darüber informiert
Anatomie und Psychologie, die durch Karrieren in chirurgischen und psychologischen Bereichen erworben wurden.
Aus diesem Grund sind die meisten meiner Porträts nicht frontal. Gesten, Körpersprache....
a moment in time sollen den Betrachter an einige Feinheiten des Lebens erinnern.
Das Platzieren des Bildes in einem durch Farbe definierten Raum, aber frei von Hintergrundobjekten, drückt
dem Betrachter, sich auf die Person oder ihre Situation zu konzentrieren."Miller-Hafen
 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

 

 

 

Process

Wolf Portrait 

 

Der Anfang, die Unterstützung

 

Die Ägypter malten auf Holztafeln, ebenso wie die Italiener bis ins 14. Jahrhundert. Später wurde Leinwand teilweise verwendet, weil sie leicht aufgerollt und von Stadt zu Stadt getragen werden konnte. Einige Künstler bevorzugen immer noch das geringe Gewicht von Leinwand, aber mit einem leicht verbesserten Transportsystem besteht keine Notwendigkeit, auf Leinwand zu malen. Wenn Holz als Träger verwendet wurde, wurde Kaninchenhautleim verwendet, um das Stück zu versiegeln und so ein Verziehen zu verhindern. Der Kleber ist eine stinkende, aber effektive Wahl, die noch heute von einigen mutigen Seelen verwendet wird. Dieses Gemälde ist auf baltischer Birke gemalt, die auf beiden Seiten mit einem Acryl-Holzversiegeler mit PVA-Kleber versiegelt wurde.

 

 

Grundierung, Die Oberfläche

 

Die bemessene Platte wird mit einem Grund, einer weißen Schicht Gesso (in diesem Fall ein ungiftiger Acryl-Ersatz für Bleiweiß-Ölfarbe) bedeckt. Der Gesso wird in 6-10 rechtwinkligen Schichten mit dem Pinsel aufgetragen, dazwischen mit einer Schleifmaschine und von Hand geschliffen. Die letzte Schicht ist Gesso mit einem grau getönten Gel-Medium, um die Maloberfläche glatter zu machen und einen neutralen Hintergrund zu schaffen.

Die Pose, die Cartoon-Bühne

 

 

 

Traditionelle Porträtmaler malen nach dem Leben, wobei der Dargestellte eine Pose einnimmt. Einige Künstler kombinieren diese Sitzungen mit Fotografien, andere verwenden nur Fotografien. Rubens war im 16. Jahrhundert einer der wenigen alten Meister, die nicht nach dem Leben malten, weil er es zu ablenkend fand. In Übereinstimmung mit ihm zieht es dieser Künstler vor, nicht abgelenkt zu werden, aber auch keine künstliche Situation zu schaffen.*

Zeit wird mit dem Subjekt, seinen oder ihren engsten Freunden verbracht, um herauszufinden, wie die Person sich selbst sieht. Fotos und Videos werden übergossen.

Eine Pose wird aus einer Reihe vorhandener oder vom Künstler aufgenommener Fotos bestimmt und dann in Schwarzweiß auf Papier vergrößert, damit die Idee in der beabsichtigten Größe betrachtet werden kann. Es gibt viele Möglichkeiten, die Komposition auf dem Träger zu platzieren: Freihand, Raster, Durchzeichnung, Linsenprojektion. Die häufig verwendeten Medien sind Bleistift, Kohle, Kreide, dünne Farbe. Der Umriss dieses Porträts wurde mittels Transferpapier auf den Träger gebracht, dann freihändig mit schwarzer Farbe und Pinsel. Dieser Künstler nennt dies eine "Cartoon-Bühne".

 

 

 

 

Wolf process

Schritte zum Lackieren

 

Zwei Arten des Auftragens von Farbe sind „indirekt“ oder „direkt“. Beim indirekten Malen wird die Farbe Schicht für Schicht aufgebaut, beginnend mit allen hellen und dunklen Tönen, die in Grau ausgearbeitet sind(Griselle*)oder eine andere Farbe unter Malerei. Dann werden farbige Glasuren aufgetragen, wodurch der Effekt entsteht, dass Licht unter der Farbe durchscheint. Beim direkten Malen werden vollfarbige Schichten aufgetragen, wobei die letzte die hellste ist. Diese Technik ist in impressionistischen Werken wie Monet und den abstrakten Expressionisten wie Rothko zu sehen. Auf dem Bild oben malt der Künstler sowohl "indirekt" als auch "direkt". Beispielsweise wird der Schal indirekt bemalt und die Haare direkt bearbeitet.

 

 

 

 

 

Hände und Haut

 

Hände sind eine besondere Herausforderung. Da sie fast so groß wie unsere Gesichter sind, können sie mit anderen wichtigeren Elementen des Gemäldes konkurrieren. Farblich und formal gesehen sind Handflächen relativ flach und ohne die satten Farben und Adern der anderen Handseite. Zu viel Fleischton führt zu dem, was dieser Künstler das Hautproblem der „Barbie-Puppe“ nennt, zu wenig macht das Bild blutleer. Es ist alles ein Balanceakt, Schichten und Schichten zu malen, zu mischen, zu mischen.......

 

 

 

 

 

 

 

Harmonie zwischen Form und Farbe

 

Ein Porträt soll wie die Person aussehen, aber wenn es keine Harmonie zwischen Form und Farbe gibt, wirkt das Gemälde flach, ohne Leben. Einige Künstler folgen einer Methode, bei der das Fleisch gemalt wird, dann die Kleidung und der Hintergrund. Andere, wie dieser Künstler, finden, dass das Malen des gesamten Bildes eine Möglichkeit ist, jeden Aspekt in Harmonie zu halten. Ähnlich wie beim Schreiben von Musik werfen zu viele Bässe und zu wenig Höhen die Melodie ab.

 

 

 

 

Farbe und dreidimensionaler Raum

 

Einige Künstler verlassen sich auf Linien, um Dreidimensionalität zu erzeugen, und verwenden dann Farbe als Verfeinerung dieser Definition. Im 19. Jahrhundert entdeckte Cezanne, dass kühle und warme Farben die Illusion von Raum erzeugen können. In diesem Porträt zum Beispiel ist die Jacke schwarz, aber wenn reine schwarze Farbe verwendet würde, würde sie flach wie eine Silhouette aussehen, es sei denn, sie wäre in einer sehr starken dreidimensionalen Zeichnung enthalten. Dieser Künstler bevorzugt die Verwendung von Farbe, um den dreidimensionalen Raum zu definieren. Dies kann durch abwechselnde Schichten mit warmem und kühlem Schwarz erreicht werden. In diesem Fall enthält die Jackenfarbe tatsächlich Schichten aus Blau, Rot, Violett und Schwarz.

 

 

 

Ein Porträt für einen bestimmten Raum malen

 

Die Wahl der Farben in der Kleidung, die von einem Subjekt getragen wird, ist wichtig, abgesehen davon, dass sie so dargestellt werden, wie sie sind. Andere Wände als Weiß stellen eine andere Reihe von Farbentscheidungen dar. In diesem Fall ist das Sullivan Chambers in Beige und Rot tapeziert. Stühle sind schwarz und rot. Auch der Teppichboden ist rot. Das Malen auf einer Staffelei im Studio mit weißen Wänden macht es unerlässlich, Requisiten in der Nähe des Werks zu haben, um den Künstler daran zu erinnern, welche Farben in einem Raum überleben werden, der für sich allein auffällt.

 

 

 

 

Schutz des fertigen Gemäldes

 

Ölgemälde müssen vor Witterungseinflüssen und in früheren Zeiten vor Würmern geschützt werden. Lack war die traditionelle Lösung zur Konservierung und wird heute noch sowohl in matten als auch in hochglänzenden Oberflächen verwendet. Die meisten Porträts hier in den Sullivan Chambers sind mit einem Hochglanzlack geschützt. Beim Lackieren muss das Gemälde sechs bis zwölf Monate trocknen. Bienenwachs ist eine weitere schützende Versiegelung und wurde in diesem Fall verwendet, weil der Künstler ein sehr weiches mattes Finish und den Verzicht auf die sechsmonatige Trocknungszeit bevorzugt.

 

 

 

 

 

 

Wie sehen wir uns?

 

Die meisten von uns sehen sich selbst nicht so, wie wir andere sehen. Unsere Wahrnehmungen stammen aus dem Blick in den Spiegel, auf Fotos oder aus anderen Medien. Die endgültige Entscheidung, ob das Porträt ein getreues Abbild ist und dem Geist des Einzelnen gerecht wird, ist schwierig. Nachdem er einige Zeit gelernt hat, wie eine Person sich selbst sieht und gesehen oder erinnert werden möchte, bittet dieser Künstler einige enge Familienmitglieder und Freunde, zu diesem Prozess beizutragen. Sie helfen dem Motiv beispielsweise, sich daran zu gewöhnen, sich selbst in Farbe zu betrachten, und gehen dann gemeinsam mit dem Künstler auf seine Sorgen und Fragen ein. Eine Herausforderung für den Künstler besteht darin, ein Abbild eines Individuums zu schaffen und gleichzeitig etwas über seinen Charakter zu sagen. Das Ziel dieses Künstlers ist es, ein Porträt lebendig, menschlich, überzeugend und zeitlos zu machen. Das bedeutet, die Essenz der Person zu einem bestimmten Zeitpunkt einzufangen, zu versuchen, etwas von dem zu offenbaren, was in ihrem Leben zuvor passiert ist, und schließlich beides in einem Gemälde zu kombinieren.

Sullivan Chambers Cambridge City Hall

Sullivan Chambers Cambridge MA City Hall

 

 

Mayor/State Representative Alice Wolf Portrait Statement

 

The Image

 

The balance that I sought in portraying Alice Wolf was similar to the somewhat divergent characteristics that I observed about Harvard Dean Jerome T. Murphy.

 

Alice Wolf is a women politician and community activist who is courageous, dignified and determined while possessing empathy for those less fortunate, especially children. 

She wanted to be portrayed as a woman of action, not a woman at her desk, sitting on a couch, or standing still posed for the camera. 

 

Artistic Goals

 

From an artistic point of view I wanted to move away from some of what has gone before in portraiture. In this case it means that rather than representing the individual as a likeness surrounded by the trappings of her office, I endeavored to set up a psychological tension in the image that reflects divergent qualities I mentioned at the start.

 

Achieving the Goals

 

As in all my portraits, technically I set up a tension on the two dimensional picture plane through the use of color and arrangement of the image in the rectangle.  While it is the only horizontal portrait in the City Hall Chambers. it is the same square inches as the others

 

The grey background and the crowding of the image on the rectangle allow Wolf to stand in her own human space. The warmth of the grey creates perspective because of the coolness in the color of the black suit.

Unlike some of the other portraiture in the room, these colors are not intended to match the beige and red wall paper but rather to allow the image to stand alone.The subject connects with the viewer by making eye contact and gesturing as she often did at the end of a phrase.

 

The danger of the hands visually distracting from the face is dealt with by the use of color in the scarf. The design and folds of the scarf  serve to keep them from dominating the portrait.

 

*Hinweis zu lebenden Modellen und Fotos
 

Mir wurde traditionelles Rendern von lebenden Modellen beigebracht, aber vielleicht, weil mir als Psychotherapeut auch beigebracht wurde, dass das Anstarren von Menschen nicht der beste Weg ist, um etwas über sie zu lernen, deshalb habe ich mich nie wohl dabei gefühlt, direkt von lebenden Modellen zu malen, es sei denn, es war nur akademisch Übung.

 

Porträtkünstler weisen oft darauf hin, dass Fotografien nicht die gleichen Details und Dimensionen wie ein lebendes Modell wiedergeben. Dieser Mangel an Details und Flachheit ist genau der Grund, warum ich gerne Fotos von meinen Modellen mache. Dieser Mangel an Genauigkeit im aufgezeichneten Bild, das nur die Pose offenbart, gibt mir mehr Freiheit, subjektiv zu malen, zu erfinden. Es liegt dann an mir, das Stück dreidimensional und lebendig erscheinen zu lassen.

 

Aufgrund meiner klinischen Arbeit in psychologischen und medizinischen Umgebungen habe ich Jahre damit verbracht, Gesichter, Körpersprache, Gedanken und Gefühle zu studieren und nach Wellness und Krankheit zu suchen. Wenn ich mich daran mache, das darzustellen, was ich über eine Person zu wissen glaube, möchte ich zuerst Zeit damit verbringen, sie kennenzulernen, was sie interessiert, wer sie zu sein glauben. Ich tue dies, indem ich Zeit mit der Person in meinem Studio verbringe, über sie lese oder was sie geschrieben haben, sie in der Öffentlichkeit beobachte und mit denen spreche, die sie kennen. Ich sammle auch Fotos, die andere von ihnen gemacht haben, ich mache meine eigenen Referenzfotos im Studio und wo sie arbeiten oder leben. 

 

 

* Griselle-Beispiele:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

 

 

 

Leopoldina Martinez
Gravur auf Tonplatte/Blattgold/Öl/Stoff/Steinschlag Portrait Commission Process
"Leopoldina im El Oro"

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Anstatt zu zeichnen, wurde auf Tonkarton graviert.

Dies beinhaltet das Ausgraben des Schwarzen, um die weißen Linien freizulegen. 

Blattgold wurde in kleinen Blättern aufgetragen 

Ölfarbe auf das Blatt aufgetragen.

Mit Bol getränktes und in Goldfarbe getränktes Käsetuch

Auf Ohrringe aufgebrachte Steinschläge.

 Goldblatt gerieben, um eine Art Patina zu erzeugen

Leopoldina en Oro.jpg .jpg

14-karätiges Blattgolddetail auf dem maßgefertigten Stanhope-Rahmen, um die Liebe des Modells zur Natur widerzuspiegeln.

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